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17 mai 2012 4 17 /05 /mai /2012 11:15

 

 

se fait en même temps que la caractérisation des personnages. Telle demande, appelle telle réponse, de tel personnage, qui répondra de telle manière, émotionnelle ou réfléchie, actions ou dialogues, avec tel argument.

 

Le caractère des actions et des péripéties appelle une réponse adapté du personnage.

 

Méthodologie

 

Très proche de celle du développement du sujet, utilisez également une grille de croisements combinatoire (*), c'est un moyen sur d'avoir une vision synthétique de ce dont vous disposez.

 

 

Révision

 

Révisez ce chapitre.

 

N'allez pas plus loin avant d'avoir assimilé ce que vous venez de lire.

 

Construisez vos personnages. Pensez à votre projet et mettez ce chapitre en application.

 

Couchez votre travail noir sur blanc lisiblement ou mieux à la machine, et envoyez-en une copie à Cinégraffie.

 

Joignez- y vos questions éventuelles sur ce que vous venez de lire, pas sur la prochaine étape.

 

En attendant avis et observations, passez à la suite.

 

Si vous êtes vraiment pressé, groupez vos envois. mais prenez le temps de la réflexion. Les choses apparaissent plus claires une fois décantées.

 

(*) Voir l'article "Choisir un point de vue sur l'évènement" catégorie "2 - CONSTRUIRE UN SCENARIO"

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2 mai 2012 3 02 /05 /mai /2012 11:11

 

 


Est le moteur du drame, elle se fonde sur les trois temps début-milieu-fin et leurs caractéristiques.

 

Comme vous venez de le voir, elle se joue au PRÉSENT, temps de l'action. Le scénario ne comporte que ce qui est vu, au

moment où on le lit. Le futur et le passé n'existent que par rapport à l'évolution des personnages. Ils sont établis ou attendus, simultanés ou non, reliés à une révélation suspens, mais n'existent pas formellement conjugués dans l'écrit scénario.

 

Ceci admis, l'histoire ou le document, comportent un début, un milieu et une fin.

 

  • Début - Temps d'ouverture, présentation d'informations qui doivent se lier à d'autres, antérieures ou postérieures.

 

  • Milieu - Temps d'évolution, suspens, confrontations, points forts.

 

  • Fin - Temps de fermeture, informations se liant à d'autres et concluant plus ou moins définitivement.

 

 

A part les éléments qu'elle apporte, une fermeture termine une action, une intrigue, une recherche, de façon totale ou partielle.

 

Ce peut être la FIN, ou une fin réinjectée dans l'histoire sous forme de coup de théâtre par exemple, servant de tremplin à une nouvelle ouverture, ou en rappelant une existante.

 

Nouvelle ou préalable, cette fin relance alors l'action, et alimente l'intérêt du spectateur.

 

Vous devrez toutefois être prudent dans l'usage de tels tremplins, de façon à ne pas tomber dans le jeu des poupées Russes, qui à la longue donne l'impression d'être mené en bateau par un scénario à rallonges.

 

Bien entendu une action s'ouvre et se ferme sans limitation de durée, dans une même scène, comme en première et dernière image de votre scénario.

 

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20 avril 2012 5 20 /04 /avril /2012 11:00

 

Elles peuvent être essentielles ou secondaires, indispensables au récit ou complémentaires. Qu'elles soient l'un on l'autre, elles peuvent véhiculer aussi bien une information vitale qu'accessoire.

 

Les variantes augmentent l'attrait de l'histoire.

 

Remarque

 

Tout ces éléments, personnage, temps, lieu, actions, péripéties, dialogue, peuvent et doivent être contrastés.

 

 

 

Evolution par Cinépisodes

La méthode n'en disait pas plus en ce qui concernait les péripéties. Donc, mêmes remarques que pour les actions, dont elles font partie et sont, soit une suite, soit un prétexte.

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20 février 2012 1 20 /02 /février /2012 11:06

 

Un lieu est rarement neutre, il détermine généralement les actions et les attitudes des personnages et oblige ceux-ci à agir en fonction de lui. Même superficiellement, ils doivent en tenir compte.

 

Le lieu représente les conditions externes qui entourent les personnages et leurs actions. Sa valeur symbolique, idéologique ou matérielle, précise le comportement des personnages.

 

Doté d'une influence propre, il imprègne l'action, agit sur son développement par les relations qu'il peut potentiellement créer (humour, sens), par le contexte qu'il délimite à travers le décor, historique, social, par l'éclairage et la mise en scène qu'il réclame.

 

Il situe l'action dans des endroits géographiquement repérables, ville, campagne, hOpital, port, impliquant le plus souvent un milieu socia-culturel qui leur est propre, car lié à l'endroit, et à ses ambiances ainsi qu'à l'époque où se situe l'action.

 

 

 

Méthodologie

 

Lorsqu'il a une fonction forte de personnage, le lieu doit être pensé de la même manière. Avoir éventuellement une biographie, un but et des moyens d'action.

 

Vous devez tenir compte du fait que l'on ne vit, ni agit de la même manière dans des lieux différents.

 

Un lieu habilement choisi et décrit, peut vous faire gagner beaucoup de temps, en dynamisant le scénario.

 

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1 février 2012 3 01 /02 /février /2012 11:00

 

La durée d'un scénario est quelque chose de court, proche de la nouvelle, il faut donc essayer de concentrer, aller à l'essentiel.

 

Durant le tournage, le scénario s'utilise comme point de repère dramatique, spacial, temporel et rythmique. Il décrit ce que l'on voit, et n'utilise qu'un temps, le présent.

 

 

 

Les altérations principales de la chronologie sont:

 

L'élipse

Elle élimine ce qui est considéré superflu.

 

Souligne les choix narratifs et les cOtés jugés intéresssants.

 

Réduit la durée des actions trop évidentes et vite résolues par le spectateur.

 

Aiguillonne les réactions du public à qui vous cachez certains détails essentiels à la résolution d'une action.

 

Est un facteur de rythme principal.

 

 

L'élipse de montage relie les divers plans de prises de vue "raccord". Recueille les points essentiels de l'action en éliminant les temps morts, inutiles à la narration.

 

 

L'élipse de continuité passe d'un point fort à un autre sans intermédiaire. Elle évite les ralentissements de l'action.

 

 

L'élipse partielle est une rupture temporelle dans l'image et non dans le dialogue ou le son qui maintiennent intacte l'unité chronologique, et réciproquement.

 

Le flash-back est un retour en arrière, le flash-forward une anticipation, les fondus peuvent enchainer plusieurs actions, en différents lieux ou époques. Avec le ralenti, l'accéléré, et l'arrêt sur image, ce sont les principaux facteurs de modification du temps, et de la chronologie d'action. Ils sont tous écrits au présent.

 

 

Méthodologie

 

Pour commencer, explorez les évènements chronologiquement.

 

Définissez l'époque à laquelle la narration a lieu. Historique, sociale, culturelle, liée au(x) lieu(x), elle détermine une partie des comportements et des relations entre personnages.

 

Définissez le temps que prend la narration de l'histoire. En rapport soit avec votre sujet et l'esthétique choisie, soit avec les conditions de production/diffusion envisagées. Ce peut être la durée réelle de l'action relatée ("le train sifflera trois fois", "la corde") ou une saga sur plusieurs générations montrée en deux heures trente.

 

Définissez la durée nécessaire à chaque scène et séquence, en fonction de ce qu'il faut montrer.

 

Le passé et le futur apparaissent dans les changements de décor, d'accessoire, d'age ou d'état des personnages, qui sont traduits par leur apparence, et leurs dialogues. Mais toujours au présent.

 

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30 décembre 2011 5 30 /12 /décembre /2011 10:52

 

Pour que le scénario ait de l'intérêt, les personnages doivent évoluer. S'ils terminent le récit comme ils l'ont commencé, le scénario est à refaire.

 

Les personnages influent les uns sur les autres, la création d'un personnage est un processus action-réaction.

 

Le personnage agit selon sa personnalité, elle-même modifiée par ses actions.

 

Des réajustements vous seront certainement nécessaires en cours d'écriture. Faites-les tout en gardant un oeil sur l'énoncé du projet.

 

Ponctuellement un personnage peut finir le film dans la même situation qu'il l'a commencée, il sert alors de référence, contraste et n'est pas parmis les principaux, ou bien il lui est arrivé quelque chose qui a modifié son état, même s'il est retourné ou resté à la case départ.

C'est le type de l'individu qui tourne en rond, ce qui ne l'exempte pas d'avoir un trajet.

 

La personnalité des personnages se façonne également sur leurs réactions entre eux lors de l'écriture.

 

C'est pourquoi si vous désirez écrire pour un acteur donné au jeu connu ou vous en inspirez au départ, vous garderez une marge d'action plus grande en pensant à votre personnage, plutôt qu'à cet acteur qui peut-être une valeur forte, risquant d'influencer votre scénario vers ses propres caractéristiques plutôt que vers les vôtres. C'est un choix.

 

Le rôle sur mesure met en scène la personnalité de l'acteur, avec avantages et inconvénients qu'il faut bien peser. Il est plus intéressant, de laisser le personnage émerger de la construction de l'histoire, pour qu'ensuite l'acteur lui permette d'exister à travers sa personnalité.

 

Le regard neuf que porte à ce moment là l'acteur sur le personnage existant, ne peut qu'enrichir celui-ci.

Le personnage a sa personnalité propre et ne dépend pas complètement de l'acteur.

 

C'est au point de transmission du personnage à l'acteur qu'intervient le réalisateur. Dans sa direction d'acteur, il doit faire en sorte que ceux-ci bonifient les personnages sans les écraser.

 

Le personnage n'est pas qu'un costume à revêtir, il doit avoir ses qualités, un mobile, une raison d'agir, même cachée.

 

Quelquefois, cela va vous poser des problèmes d'écriture. Le personnage évolue et il est un moment dans l'invention de l'histoire, où les évènements mis en scène, produisent leurs propres effets, et où votre volonté affrontera celle des personnages.

 

Lorsque ceux-ci prennent vie, qu'ils ont un mobile et une raison d'agir, ils agissent, et partant se placent dans des situations qu'il vous faut résoudre en fonction de ce mobile et de cette raison d'agir.

 

Evitez donc de les placer dans des situations sans issue, d'où ils ne sortiraient que par un artifice quelconque, mais laissez leur la place de s'exprimer.

 

 

Le héros

 

Il y a toujours un personnage qui émerge par un trait de caractère, une personnalité plus prononcée, des actions plus fortes que les autres, avec plus d'impact sur l'évolution de l'intrigue.


 

Méthodologie

 

Donnez le rôle principal à un des personnages et collez l'histoire générale à la sienne.

 

Ou partez de personnages plus ou moins définis, sensiblement égaux, et laissez se développer des antagonismes qui eux, vont déterminer la hiérarchie.

 

Testez le fonctionnent de vos personnages. Placez-les dans des situations impossibles ou absurdes.

 

L'action développée à cette occasion peut révéler des qualités ou des faiblesses éventuelles que vous avez tout intérêt de connaitre, sans pour autant les utiliser dans le scénario final.

 

L'utilisation des paroles est un moyen d'identification efficace des personnages et de leurs actions.

 

Il ne faut pas hésiter à garder une certaine malléabilité au personnage, une souplesse qu'affirmera l'interprétation ultérieure de l'acteur.

 

Une péripétie, un évènement, une action, se placent toujours à un point précis de l'évolution d'un personnage.


 

Composez-lui une véritable biographie, au moins pour les plus importants. Cette vie peut ne pas apparaitre, elle influencera néanmoins chaque action, physique, émotionnelle ou réfléchie que vous penserez différemment selon le passé, voir l'avenir du personnage que vous décrirez.

 

Les actions comme les comportements des personnages se motivent par leurs buts, leurs caractères, leurs rapports entre eux et l'environnement dans lequel ils évoluent en action-réaction. Le résultat peut évidemment diverger de l'intention, mais ne doit pas paraitre parachuté.

 

 

Les liens entre personnages doivent être cohérents, leurs personnalités affirmées et affinées pendant l'écriture.

 

Les personnages cristallisent le sujet du film, transmettent ce qu'il y a à transmettre.

 

Ils doivent paraitre réels, être crédibles et convaincants, pour cela ils leur faut disposer de contacts avec la réalité, indépendamment du genre de film dans lequel ils évoluent. Observez la réalité, elle est pleine de renseignements.

 

Et n'oubliez pas, que le terme de personnage peut recouvrir autre chose qu'un individu. Ce peut être un lieu particulièrement fort, autour duquel tourne l'intrigue.

 

Les nécessités qui poussent les personnages à agir, doivent paraitre clairement dans le scénario. Les intentions motivées et traduites de préférence en actes plutôt qu'en dialogues. Mais c'est une question d'appréciation personnelle.

 

Les personnages secondaires, existent en relation avec le ou les personnages principaux, mais peuvent aussi être indépendants et utilisés ponctuellement pour divers besoins, précisions, diversions etc...

 

 

Remarque

 

Peu à peu, le sujet se transforme en actions visuelles, où se multiplient les enchainements de détails, où chaqueidée de développement apporte soncortège de variantes, selon une progression de l'action qu'établit le scénario.

 

La valeur et la force du personnage dépend du pouvoir qu'il a d'agir ou de subir par rapport à son environnement.

 

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23 décembre 2011 5 23 /12 /décembre /2011 11:08

 

Font avancer l'histoire vers le but final, elles représentent les nécessités, obstacles et problèmes des personnages.

 

Elles progressent dans un contexte logique, toujours début-milieu-fin.

 

 

Evolution par Cinépisodes

La méthode n'en disait pas plus en ce qui concerne les actions. Il était évident pour moi qu'elles devaient êtres visuelles. Cependant, les retours des ateliers ou de Cinépisodes (1ère version) m'ont montré, qu'il n'était pas inutile de le préciser.


Sur le papier, l'action est un espace de liberté. On peut tout faire.

Dès que l'on filme, l'action, comme tout le reste (décors, acteurs, etc.) à un coût.

 

A titre d'exercise, essayez de remplacer des actions spectaculaires, par de plus simples, en leur imposant de véhiculer autant de sens.

 

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9 décembre 2011 5 09 /12 /décembre /2011 18:30

Peut très bien se faire tout seul, en commençant directement l'écriture à partir des éléments que vous possédez. Soit comme une première approche débroussaillant le terrain, soit comme attitude volontairement aventureuse où le désir de se laisser surprendre prime sur le coté idée à faire passer.

 

 

 

Méthodologie

 

Votre projet est arrêté et vous pensez avoir suffisamment d'éléments en main?

 

Commencez à les relier en construisant une présentation de type début-milieu-fin.

 

Vous avez encore des doutes? Les éléments que vous avez ne vous paraissent pas suffisants ou semblent trop ordinaires?

 

Définissez une durée, variable d'un projet à l'autre. Disons pour commencer une heure, pendant laquelle vous allez laisser vagabonder votre imagination sur ce que vous avez déjà retenu comme éléments utilisables.

 

Il y en a au moins un, donc pas de problèmes.

 

Ecrivez, répertoriez, explorez chaque possibilité, ensuite faites le tri de ce qui ne vous convient résolument pas, travaillez votre sujet jusqu'à posséder une histoire, un fil directeur.

Ce travail ne doit pas se transformer en carcan, il vous offre une structure sur laquelle travailler.

 

Vous avez défini votre sujet et trouvé les ouvertures nécessaires à son développement, il vous faut maintenant essayer de penser à la façon dont vous allez les fermer.

 

Une fois les fermetures entrevues, testez-les. Essayez-en plusieurs avant de choisir, imaginez différentes évolutions, croisez-les, mélangez-les.

 

Elles vous plaisent? Très bien, il ne vous reste qu'à établir le lien entre ouvertures et fermetures. Sinon faites une pause, laissez éventuellement passer quelques jours et recommencez.

 

Si l'inspiration vous manque, utilisez les points de méthodologie précédents.

 

Reprenez votre projet sous un autre angle, en changeant de point de vue, en vous donnant le temps nécessaire.

 

 

 

Remarque

 

Le développement du sujet est le moment de choisir le type d'action, physique, émotionnelle, psychologique qui va être utilisé.

 

Ce peut être le moment de décider d'un pari sur le film, par exemple que l'action se passera à l'aube, dans une voiture, que les personnages auront un point commun. cela vous aide à trouver une esthétique et à stimuler votre imagination.

 

 

De toute façon, commencez par trier les priorités. Il s'agit de définir les actions de bases que vous complèterez et ferez évoluer par la suite en développant votre scénario.

 

Ce développement sera le résultat des choix et des options prises pour arriver à la conclusion.

 

Cette réflexion sur le thème à développer, la forme à lui donner, l'esthétique désirée, bref le but à atteindre, est constamment confrontée aux moyens, si vous les connaissez, dont dispose, ou disposera le futur film lesquels agissent en retour sur l'écriture elle-même.

 

Dans ce processus d'élaboration du premier jet, les éléments de départ et ceux découverts en écrivant sont mis en situation, à travers la création des personnages et de l'action.

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26 novembre 2011 6 26 /11 /novembre /2011 17:36

L'écriture du sujet débute lorsque le scénariste juge qu'il a assez d'éléments en main. cela peut aller de la feuille blanche avec juste l'envie d'écrire, jusqu'à la mise en forme d'une masse d'éléments documentaires, historiques, fictionnels qu'il s'agit de faire fonctionner dans un film.

 

Une fois rédigé, le sujet possède un pouvoir sur l'imagination des personnes à qui il est présenté. Écrit en quelques lignes, sous forme narrative, avec début-milieu-fin, le sujet présente le film dans l'esprit de celui qui le lit et y fixe des idées dont il sera difficile de le dégager ultérieurement.

 

Comprendre qu'à cette étape, ce n'est qu'un projet, une proposition susceptible d'évolution, n'est pas toujours évident. Chacun faisant le film dans sa tête en fonction de ses désirs propres, et se retrouve souvent désappointé par le scénario finalement écrit.

 

Pensez-y bien, surtout si le film est une commande, pour laquelle des impératifs sont à respecter, thème, finances, acteurs, lieu à utiliser ou disponibilité de tout ordre.

 

Technique de travail, le sujet servira de fil conducteur, de repère pendant l'écriture du scénario.

 

Pensez constamment à le présenter avec ce dont vous disposerez, sa présence vous rappellera la direction à suivre pour ne pas vous égarer dans n'importe quelle option entrevue en cours d'écriture.

 

Vous avez une idée générale de votre scénario. Tant mieux, sa construction s'en trouvera simplifiée, mais rappelez-vous qu'écrit à priori le sujet ne donne jamais une vision correcte du film à venir.

 

Rappelez-vous que le résultat final dépend plus de la manière dont le sujet est traité, que du sujet lui-même. Il suffit de se promener dans un musée quelconque pour constater que cela a été vrai de tous temps pour tous les arts.

 

Le sujet doit être vu comme un outil, une somme de réflexions élaborées à partir du point de départ.

 

Le sujet est une étape technique, il pose les premiers jalons d'une structure que le scénariste va développer, étoffer, transformer en histoire, récit, ou démonstration à travers les personnages et les actions, situés dans l'espace et le temps à l'occasion de péripéties, où apparaîtront l'intrigue et l'exposition des idées.

 

 

 

Révision

 

Révisez tout.

 

N'allez pas plus loin avant d'avoir assimilé ce que vous venez de lire.

 

Procurez-vous un journal du jour, choisissez un fait divers et mettez ce chapitre en application.

 

Couchez votre travail noir sur blanc lisiblement ou mieux à la machine et envoyez-en une copie à Cinégraffie.

 

Joignez-y vos questions éventuelles sur ce que vous venez de lire, pas sur la prochaine étape.

 

En attendant avis et observations, passez à la suite.

 

Si vous êtes vraiment pressé, groupez vos envois, mais prenez le temps de la réflexion. Les choses apparaissent plus claires une fois décantées.

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17 novembre 2011 4 17 /11 /novembre /2011 13:02


Un fait réel, historique, culturel ou social, est souvent une bonne base de départ, mais qui doit être travaillé.

 

On valorise le quotidien, assez facilement en l'étudiant à partir d'un évènement quelconque, sur lequel on se documente, dont on cerne les caractéristiques, qui, où, quand, comment, pourquoi, et auquel on adjoint un travail d'imagination. On le restitue ensuite enrichi et personnalisé, en définissant le type d'action à utiliser.

 

 

Méthodologie

 

Commencez par analyser le point de départ en posant les questions qui, que, quoi, où, quand, comment, pourquoi, pour en extraire le contenu intéressant.

 

Tel quel, il n'a peut-être pas grand intérêt.

 

Utiliser une grille de croisements combinatoire, est un moyen simple de stimuler votre imagination, en faisant apparaître sous forme de tableau, toutes les possibilités de combinaisons possibles entre éléments de départ.

 

Vous visualisez ainsi d'un coup d'oeil les rapports potentiellement réalisables entre les divers éléments dont vous disposez.

 

 

Tableaux Méthode

 

Les combinaisons principales entre éléments de départ étant trouvées, un travail de documentation devient nécessaire pour saisir le naturel, l'interpréter à travers votre propre sensibilité, et le reproposer, en images claires, avec le maximum de crédibilité.

 

Pour qu'une idée fonctionne cinématographiquement, elle doit être:

 

- Visuelle (composée, graphique, contrastée…),

 

- Émotionnelle (sans sombrer dans les violons),

 

- Crédible même si elle parait invraisemblable (cas des monstres ou extra terrestres),

 

- La plus universelle possible de façon à jouer sur "l'inconscient collectif",

 

- Et sonore car notre environnement l'est. Le son est l'élément qui mêle le mieux l'abstrait et le concret, il touche et retient l'attention du public (cris, bruits et musiques suggestives). Il crée une continuité entre les différents plans.

 

Votre scénario

 

Vous avez donc choisi un fait divers, et préparé une grille de croisements.

 

Le croisement des premiers éléments en fait apparaître de nouveaux, agrandissez la grille de façon à pouvoir les mettre également en relation.

 

Ensuite, qu'apportent-ils, qu'impliquent-ils, que préparent-ils? Multipliez les questions et les réponses, les hypothèses, et notez-les.

 

Ceci fait, regardez votre grille de croisements et surtout vos notes. Quelles sont-elles? A quoi avez-vous abouti ?

 

Il va falloir maintenant prendre tous ces éléments et les synthétisez avec un apport créatif :

 

 - De documentation.

Qui peut être une simple remémoration de vécu personnel, comme une recherche de détails sur un sujet méconnu.

 

N'attendez pas de grandes révélations métaphysiques, mais même si cela ne vous inspire pas violemment, la simple juxtaposition d'éléments entre eux peut vous indiquer une ou plusieurs directions à suivre. A vous d'avoir l'oeil, et choisissez.

 

- D'imaginaire.

Pour éviter les lieux communs, ou vous en servir.

 

Pensez à créer des points forts, déterminés autant par les contacts entre les personnages que par leurs actions. Ensuite créez, et justifiez les liens entre éléments de façon à obtenir une cohérence logique de l'ensemble.

 

- Et de visualisation.

Dont le scénario sera l'interprète, le trait d'union entre vous et la caméra.

Situez l'action dans le temps et l'espace de façon logique.

 

 

Le résultat des recherches, analyses et synthèses auquel les vous vous livrez, aboutit à l'énoncé du projet, également appelé sujet.

 

Rédigé en quelques lignes, il situe grossièrement les idées à présenter dans votre scénario sous forme d'images et de sons.

 

 

Fonctionnera-t-il à l'écran?

 

S'il est difficile de s'en assurer en l'état actuel, on peut néanmoins s'en faire une bonne opinion.

 

 

Remarque

Quel que soit le point de départ choisi, le scénario sera toujours le résultat des choix, bifurcations et options prises, donc du travail d'écriture.

 

Il est nécessaire d'arriver à traduire son projet par écrit. C'est ce qui est vu, entendu, compris, ressentit, qui devient le film.

 

 

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